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刚刚过去的2026春夏时装周，注定要被载入史册。
不是因为某个石破天惊的单品，也不是因为某个品牌搞噱头式的大秀，而是因为T台上下，迎来了一场史无前例的“新官上任”潮——一场为期半年的“试用期”结束，各大奢侈品牌的新任创意总监们，纷纷交出了自己的*份“述职报告”。这份报告，关乎品牌未来的命运，也牵动着整个时尚圈的神经。
有人一出手就赢得满堂彩，有人则引发了喋喋不休的争论。久违地，这个圈子又因为纯粹的创作本身，洋溢出一种近乎“经济上行”般的活力与喧嚣。
而各大品牌的新创意总监们，又究竟能不能凭借这次首秀，拿稳手中的饭碗呢？
先来看看“优等生”
在一片期待中，有几位新总监的亮相，几乎获得了舆论的一致好评，他们像是优等生，精准地接住了品牌抛来的考题，并给出了超越预期的答案。
GUCCI的新任总监Demna Gvasalia，无疑是这季大秀中最受关注的人物。作为开云集团的爱将，在成功将Balenciaga打造成流量怪兽后，他又被拉来拯救岌岌可危的GUCCI了。
据最新财报显示：“2025上半年，GUCCI销售额同比下滑26%，营业利润下降，已经连续第六个季度表现不佳。” 对Demna来说，这简直是天崩开局。
只能出奇招了——Demna最终决定放弃传统T台，将名为“La Famiglia（家族）”的37套造型系列，通过时装电影《Tiger》和造型手册的形式，结合线上线下限时上架。
Demna的设计在保留了GUCCI“双G”logo、绿红条纹、马衔链等标志性元素的同时，加入了自己特有的风格：夸张轮廓、透明蕾丝与戏剧感的剪裁。既能让老客户认出“这是GUCCI”，也让习惯Demna美学的人觉得这就是他的作品。
有人赞这部影片是《某种物质》和《瞬息全宇宙》的结合，也有人被片中的虎纹皮草种草，品牌概念和爆款单品都被有效传达。
为此，GUCCI特地清空了官方Instagram账号，并宣布于9月25日至10月12日期间，在纽约、洛杉矶、北京、上海、新加坡、东京、首尔、伦敦、米兰和巴黎的10间GUCCI门店*贩售“La Famiglia（家族）”系列。
这种限量、旗舰店先上的做法，传递出了一种信号：GUCCI对于品质与稀缺性的重视，加上Demna的名号，带来了大量的关注与需求，Instagram上的点赞量与香奈儿发布新系列的帖子不相上下。对于买手市场和VIP消费者同样是个加分项，也让GUCCI有机会检视Demna的号召力，不至于一开始就大规模铺货承担风险。
社交媒体上，一片“感觉GUCCI真的要被Demna盘活了”的惊呼，证明了这次“剑走偏锋”确实奏效，至少在初期，成功地刺激了市场的兴奋神经。
从Jonathan Anderson（Dior现任创意总监）手中接过Loewe的Jack McCollough和Lazaro Hernandez组合也意外凭借首秀获得了好评。为什么说“意外”呢？因为起初大家并不看好，这两位分别来自美国纽约和迈阿密的设计师能诠释好西班牙血统的Loewe，更何况他们此前从没在一线奢侈品牌工作过。
但在首秀中，他们却对“什么是西班牙特质”这道考题做出了准确回答。
他们用大胆、饱满、近乎灼目的色彩，一扫近年来极简风潮下的低饱和与黑白统治。奔放的弗拉明戈红、明媚的日光黄、深邃的海洋蓝，通过精湛的皮革工艺和雕塑感剪裁进行呈现，仿佛将西班牙的阳光、热情与生命力直接泼洒在了T台上。
网友们精准地评论道：“色彩上有一种经济复苏的美。”这是一种久违的、毫不掩饰的乐观与丰沛，让人眼前一亮。
同样值得称道的还有Bottega Veneta的新创意总监Louise Trotter。作为开云集团奢牌设计总监中*的女性，她的上任本身就备受瞩目。
首秀在延续品牌“低调的奢华”与*工艺的基础上，注入了更为实用和现代的女性视角。最引人注目的是她对创新材质的运用，尤其是对再生玻璃纤维的编织，为品牌标志性的皮革编织技术带来了全新的、具有未来感的表达。
但当媒体试图用“女性主义设计师”的标签来定义她时，她却冷静地回应：“I want to believe that I have success because of my work and because of who I am not just because of I'm a woman.（我相信我的成功源于我的作品和我是谁，而不仅仅因为我是个女人。）”
这种专注于作品本身的姿态，以及系列中呈现出的超越性别的力量感，让不少人觉得，她甚至已经赢过了前任Matthieu Blazy（香奈儿现任创意总监）。
有争议，但并不意味着失败
然而，并非所有首秀都能在喝彩中平稳着陆。
时尚圈的迷人与残酷并行，另一批才华横溢的设计师，却因为首秀引发了巨大的争议。需要强调的是，“争议”并非“失败”的代名词，很多时候，它仅仅意味着观众期待、品牌历史、商业与审美之间的摩擦，以及“什么是可接受的变革”这一命题的复杂性。
其中最典型的，莫过于Chanel香奈儿。
从Bottega Veneta空降而来的Matthieu Blazy，接手的是时尚界最宝贵的遗产之一。他的首秀，让所有人都屏住了呼吸。
然而人们看到的是不再*无瑕的斜纹软呢套装，而是被刻意拉扯，甚至边缘破损的面料；经典的2.55手袋，也出现了扭曲、变形的形态。
也许，从艺术角度来讲这是一种“精心策划的破败”，Matthieu想要为这个极度成熟的品牌注入一丝反叛的、未完成的、充满生命力的气息。但这种高级的叙事，在市场中的*反应却是分裂的。
品牌的忠实客户，他们期望的还是优雅但可穿、奢华但保值的系列，而不是那些过于靠近“艺术展”边缘的设计。据在场人员透露，许多VIC（非常重要客户）在秀后抱怨：“看不懂，好好一个包，弄成这样”。而与之相反的是评论界和媒体几乎一边倒地赞扬，认为Matthieu让沉睡的香奈儿终于有了一个激动人心的新开始。
真正买单的人与大众舆论之间的分歧，在此刻被放大得尤为明显。
另一方面，香奈儿的地位实在太重——Coco Chanel的精神、Karl Lagerfeld的遗产、Virginie Viard的延续，都使得Matthieu很容易被拿来和过去对比。那些认同品牌应该随着时代演变的人觉得他做得好；而那些认为品牌经典与身份不能被随意挑战的人则觉得这次冒险代价太大。
Balenciaga在Demna离开之后由Valentino前设计师Pierpaolo Piccioli接手，是又一个备受期待但同时被拿来对比、拷问的新任创意总监。
他的首秀以“心跳”为核心主题，整个系列充满了流动的线条、薄纱感的面料，以及粉色和羽毛材质的点缀，与Demna时代尖锐的反传统、街头美学形成了断崖式的反差。
许多人感到不适，因为他们潜意识里已经认定，Balenciaga就应该是Demna手下的样子。但他们或许忘了，品牌创始人Cristóbal Balenciaga是一位对剪裁、工艺和面料追求到*的“建筑师”。正如Coco Chanel女士所说：“He was the only true couturier, the others are just fashion designers.（他是*的制衣大师，我等都只是设计师。）”
所以，Pierpaolo对工艺与浪漫的回归，在某种意义上，或许是一次真正的对品牌根源的追溯，只是大众还需要一段时间来消化这种巨变。
在差评如潮的边缘
如果说Matthieu和Pierpaolo的首秀是在争议与认可之间摇摆，褒贬各半。那么接下来的两位创意总监，就显然没那么幸运了。无论是过于实验性的表达，还是过于迎合市场的妥协，他们的作品不仅引发了媒体评论界的质疑，更在社交媒体上遭到了潮水般的批评。
创意与失控、革新与误判只剩下一线之隔。
Glenn Martens，这位曾以非凡的才华和精准的品牌感，成功为Diesel注入先锋与性感气息的设计师，如今面对Maison Margiela这座解构主义的大山时，却似乎一脚踏入了失控的边缘。
秀场上，背景音乐来自孩童版的古典乐团，不过更准确的说法应该是，一群小孩在胡乱演奏、制造噪音。品牌标志性的4条缝线则被转移到了模特们的嘴部，像牙科开口器一样，伴随着行走产生一种介于痛苦与戏谑之间的怪诞效果。服装仍然延续了Glenn对丹宁、蕾丝等材质的偏爱，但几乎没有人再去讨论设计本身——所有的目光都被那一张张被迫张开的大嘴吞没了。
网络上的反应更是直接而激烈。有人毫不避讳地指出整体造型带有强烈的“SM性暗示”意味，并戏谑道：“如果是我在台上，估计整场秀都在流口水。”
至于VERSACE，新任创意总监Dario Vitale的首秀面临着更为严峻的考验。作为品牌史上首位非家族血统的创意掌门人，这位前Miu Miu女装设计总监显然正在从品牌传统与个人风格间寻找平衡。
然而呈现在T台上的，却是一系列过于商业化的设计——那些曾经让VERSACE引以为傲的张扬美学、性感剪裁和戏剧化表达，被稀释成了更为温和实穿的日常款式。
Facebook上差评如潮：“如果我想买这样的设计，为什么不去ZARA、H&M？”更尖锐的批评则直指核心：“他到底知不知道买VERSACE的人需要的到底是什么？”这场首秀暴露出的，或许不仅是创意总监个人风格的适配问题，更是一个经典品牌在脱离家族掌控后，如何在新语境下重新定义自我的困境。
审美，究竟由谁决定？
当我们为2026春夏时装周上那些或赞誉加身或争议缠身的首秀按下评论的发送键时，一个更为根本的问题随之浮现：当下时尚圈的审美，究竟由谁决定？标准又从何而来？
纵观历史，美从来都不是民主的。它诞生于宫廷，只属于少数人。从路易十四的宫廷引领的高跟鞋风潮，到维多利亚时代定义的繁复优雅，从十八世纪的贵族沙龙，到二十世纪初的巴黎时装屋，所谓“风格”，本质上都是上层阶级用来区隔身份的符号。
换句话说，审美一直以来都是自上而下的：由统治阶级、富人和权力中心创造，再由大众模仿。
到了今天，用真金白银买单的VIC客人和时尚买手们承担了这一角色。他们或许不是最懂设计的人，却在无形中决定了什么能出现在橱窗里，什么只能停留在T台上——从秀场发布到上架销售，往往要经过6个月到一年的周期，其间会经历VIC预览、各地区买手订货等环节。也就是说，这些人看不懂、不买单的设计，很可能根本不会变成大货与普通消费者见面。
这也解释了为什么香奈儿秀场上Matthieu的“叛逆”会引发如此大的焦虑——它挑战了核心客户对于“奢侈”应该是*、高级、无瑕的固有认知。
然而在首秀落幕的瞬间便急于为新任创意总监们下定论的做法，是否过于草率？当下的时尚圈，仿佛被按下了快进键，给予新设计师沉淀、探索、试错的空间正被急剧压缩。但历史却一再告诉我们，一个品牌美学的成功转型，从来不是一场百米冲刺，而更像是一场需要耐力的马拉松。
我们都见证了Matthieu在Bottega Veneta的奇迹，但别忘了，他从上任到让那抹“BV绿”和*皮革工艺真正深入人心、引爆市场，足足用了两年的时间。同样，Pieter Mulier在Alaïa的复苏之路也非一蹴而就，他花费了三年的时间，才让精湛剪裁重新成为行业焦点。
那么，什么时候对一个创意总监进行评价才算公平呢？
或许至少要给他们一整年的时间——让他们有机会把男装、女装、高定和手工坊系列全部走完。只有当一位设计师完整地展现出他对品牌体系的理解，建立起连贯的设计语言和节奏后，我们才有资格说，他是否真正让品牌重生。
时尚圈其实不乏令人扼腕的反面案例，它们证明了短期决策的盲目性。最典型的莫过于在街头潮流席卷一切的鼎盛时期，纪梵希因急于拥抱这股风潮，换下了擅长构建精妙廓形、专注于高级剪裁的创意总监Clare Waight Keller。然而就在Clare离职后的一年，她所擅长的强调结构感、建筑线条与纯粹力量的极简美学，又重新回到了风口。
2026春夏的这场大规模“上新”，如同一面多棱镜，折射出当代时尚的复杂性：创意与商业的博弈，传统与创新的拉扯，精英与大众的隔阂，以及人们对“新”既渴望又恐惧的矛盾心理。
这些新任创意总监们的命运，以及他们的首秀是昙花一现还是伟大序章，答案并不在今天的喧嚣中，而在未来，时间会给出答案。
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